Artistët Amerikanë. 7 mjeshtra që befasuan botën

Artistët amerikanë janë shumë të ndryshëm. Dikush ishte një kozmopolit i qartë, si Sargent. Ai është një amerikan me origjinë, por ka jetuar në Londër dhe Paris për pothuajse të gjithë jetën e tij të rritur.

Mes tyre ka edhe amerikanë autentikë, të cilët kanë portretizuar vetëm jetën e bashkatdhetarëve të tyre, si Rockwell.

Dhe ka artistë jashtë kësaj bote, si Pollock. Ose ata, arti i të cilëve është bërë produkt i shoqërisë konsumatore. Kjo, natyrisht, ka të bëjë me Warhol.

Megjithatë, ata janë të gjithë amerikanë. Liridashës, i guximshëm, i ndritshëm. Lexoni rreth shtatë prej tyre më poshtë.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler vështirë se mund të quhet një amerikan i vërtetë. Duke u rritur, ai jetoi në Evropë. Dhe ai e kaloi fëmijërinë e tij fare ... në Rusi. Babai i tij ndërtoi një hekurudhë në Shën Petersburg.

Pikërisht atje djali James ra në dashuri me artin, duke vizituar Hermitage dhe Peterhof falë lidhjeve të babait të tij (atëherë ata ishin ende pallate të mbyllura për publikun).

Pse është i famshëm Whistler? Në çfarëdo stili që ai pikturon, nga realizmi te tonalizmi*, ai mund të njihet pothuajse menjëherë nga dy tipare. Ngjyra të pazakonta dhe emra muzikorë.

Disa nga portretet e tij janë imitime të mjeshtrave të vjetër. Si, për shembull, portreti i tij i famshëm "Nëna e Artistit".

Artisti ka krijuar vepra të mahnitshme duke përdorur ngjyra që variojnë nga gri e hapur deri në gri të errët. Dhe disa të verdhë.

Por kjo nuk do të thotë që Whistler i pëlqenin ngjyra të tilla. Ai ishte një person i jashtëzakonshëm. Ai mund të shfaqej lehtësisht në shoqëri me çorape të verdha dhe me një ombrellë të ndritshme. Dhe kjo është kur burrat visheshin ekskluzivisht në të zeza dhe gri.

Ai ka edhe vepra shumë më të lehta se “Nëna”. Për shembull, Simfonia në të Bardhë. Kështu fotoja u thirr nga një prej gazetarëve në ekspozitë. Whistler i pëlqeu ideja. Që atëherë, ai i quajti pothuajse të gjitha veprat e tij në një mënyrë muzikore.

Por më pas, në 1862, publiku nuk e pëlqeu Simfoninë. Përsëri, për shkak të skemave idiosinkratike të ngjyrave të Whistler. Njerëzve u dukej e çuditshme të shkruanin një grua me të bardha në një sfond të bardhë.

Në foto shohim zonjën flokëkuqe të Whistler-it. Krejt në frymën e pararafaelitëve. Në fund të fundit, atëherë artisti ishte mik me një nga iniciatorët kryesorë të Pre-Raphaelizmit, Gabriel Rossetti. Bukuri, zambakë, elementë të pazakontë (lëkurë ujku). Gjithçka është ashtu siç duhet.

Por Whistler u largua shpejt nga Pre-Raphaelism. Meqenëse për të nuk ishte e rëndësishme bukuria e jashtme, por disponimi dhe emocionet. Dhe ai krijoi një drejtim të ri - tonalizëm.

Peizazhet e tij nokturne në stilin e tonalizmit duken vërtet si muzikë. Njëngjyrëshe, viskoze.

Vetë Whistler tha se emrat muzikorë ndihmojnë për t'u përqëndruar në vetë pikturën, linjat dhe ngjyrën. Në të njëjtën kohë, pa menduar për vendin dhe njerëzit që përshkruhen.

Tonalizëm, si dhe afër tij impresionizëm, në mesin e shekullit të 19-të, publikut gjithashtu nuk i bëri përshtypje. Shumë larg nga realizmi popullor në atë kohë.

Por Whistler do të ketë kohë të presë për njohjen. Deri në fund të jetës së tij, puna e tij do të blihet me dëshirë.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt lindi në një familje të pasur. Ajo mund të bënte një jetë të pakujdesshme. Martohuni dhe bëni fëmijë. Por ajo zgjodhi një rrugë tjetër. Duke i dhënë vetes një zotim beqarie për hir të pikturës.

Ajo ishte shoqe me Edgar Degas. Mori të mërkurën impresionistët, të rrëmbyer përgjithmonë nga ky drejtim. Dhe "Vajza në një kolltuk blu" e saj është vepra e parë impresioniste që pa publiku.

Por askujt nuk i pëlqeu vërtet fotografia. Në shekullin e 19-të, fëmijët përshkruheshin si engjëj të ulur të bindur, me kaçurrela të dredhura dhe faqe rozë. Dhe këtu është një fëmijë që është i mërzitur qartë, i ulur në një pozicion shumë të relaksuar.

Por ishte Mary Cassatt, e cila nuk kishte kurrë fëmijët e saj, ajo që ishte pothuajse e para që i portretizoi ata aq të natyrshëm sa janë.

Për atë kohë, Cassatt kishte një "të metë" të rëndë. Ajo ishte një grua. Ajo nuk kishte mundësi të shkonte e vetme në park për të pikturuar nga natyra. Sidomos për të shkuar në një kafene ku mblidheshin artistë të tjerë. Të gjithë burrat! Çfarë i mbeti asaj?

Shkruani ahengje çaji monotone për femra në dhomat e ndenjes me oxhaqe mermeri dhe grupe çaji të shtrenjta. Jeta është e matur dhe e mërzitshme pafundësisht.

Mary Cassatt nuk priti për njohjen. Në fillim, ajo u refuzua për impresionizmin e saj dhe pikturat e supozuara të papërfunduara. Pastaj, tashmë në shekullin e 20-të, ishte ashpër "i vjetëruar", pasi Art Nouveau ishte në modë (Klimt) dhe Fauvizmi (Matisse).

Por ajo i qëndroi besnike stilit të saj deri në fund. Impresionizmi. Pastel i butë. Nënat me fëmijë.

Për hir të pikturës, Cassatt braktisi amësinë. Por feminiliteti i saj u shfaq gjithnjë e më shumë pikërisht në vepra të tilla delikate si Fëmija i Fjetur. Është për të ardhur keq që një shoqëri konservatore e vuri dikur para një zgjedhjeje të tillë.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent ishte i sigurt se ai do të ishte një piktor portreti gjatë gjithë jetës së tij. Karriera po shkonte mirë. Aristokratët u rreshtuan për ta porositur.

Por sapo artisti kaloi kufirin sipas opinionit të shoqërisë. Tashmë e kemi të vështirë të kuptojmë se çfarë është kaq e papranueshme në filmin “Madame X”.

Vërtetë, në versionin origjinal, heroina kishte hequr një nga braletat. Sargent e ka “ngritur”, por kjo nuk e ka ndihmuar rastin. Porositë kanë ardhur në asgjë.

Çfarë të pahijshme pa publiku? Dhe fakti që Sargent e portretizoi modelen në një pozë tepër të sigurt. Për më tepër, lëkura e tejdukshme dhe veshi rozë janë shumë elokuente.

Fotografia, si të thuash, thotë se kjo grua me seksualitet të shtuar nuk është kundër pranimit të miqësisë së burrave të tjerë. Për më tepër, duke qenë i martuar.

Fatkeqësisht, pas këtij skandali, bashkëkohësit nuk e panë kryeveprën. Fustan i errët, lëkurë e hapur, pozë dinamike - një kombinim i thjeshtë që mund të gjendet vetëm nga mjeshtrat më të talentuar.

Por nuk ka të keqe pa të mirë. Sargent mori lirinë në këmbim. Ai filloi të eksperimentonte më shumë me impresionizmin. Shkruani fëmijët në situata të menjëhershme. Kështu u shfaq vepra “Karafil, Zambak, Zambak, Trëndafil”.

Sargent dëshironte të kapte një moment specifik të muzgut. Kështu që unë punoja vetëm 2 minuta në ditë kur ndriçimi ishte i duhur. Punoi në verë dhe në vjeshtë. Dhe kur lulet u thanë, ai i zëvendësoi me ato artificiale.

Në dekadat e fundit, Sargent mori aq shumë shijen e lirisë sa filloi të braktiste fare portretet. Edhe pse reputacioni i tij tashmë është rikthyer. Ai madje refuzoi në mënyrë të vrazhdë një kliente, duke thënë se do ta lyente portën e saj me shumë kënaqësi sesa fytyrën e saj.

Bashkëkohësit e trajtuan Sargentin me ironi. Duke e konsideruar të vjetëruar në epokën e modernizmit. Por koha vendos gjithçka në vendin e vet.

Tani vepra e tij vlen jo më pak se vepra e modernistëve më të famshëm. Epo, lëre më dashurinë e publikut dhe të mos thuash asgjë. Ekspozitat me punën e tij janë gjithmonë të shitura.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Është e vështirë të imagjinohet një artist më popullor gjatë jetës së tij sesa Norman Rockwell. Disa breza amerikanësh u rritën në ilustrimet e tij. Duke i dashur ata me gjithë zemër.

Në fund të fundit, Rockwell portretizoi amerikanët e zakonshëm. Por në të njëjtën kohë duke treguar jetën e tyre nga ana më pozitive. Rockwell nuk donte të tregonte as baballarë të këqij dhe as nëna indiferente. Dhe nuk do të takoni fëmijë të pakënaqur me të.

Veprat e tij janë plot humor, ngjyra të lëngshme dhe shprehje të kapura me shumë mjeshtëri nga jeta.

Por është një iluzion që vepra iu dha lehtë Rockwell. Për të krijuar një pikturë, ai fillimisht do të bënte deri në njëqind fotografi me modelet e tij për të kapur gjestet e duhura.

Puna e Rockwell ka pasur një ndikim të jashtëzakonshëm në mendjet e miliona amerikanëve. Në fund të fundit, ai shpesh fliste me ndihmën e pikturave të tij.

Gjatë Luftës së Dytë Botërore, ai vendosi të tregojë se për çfarë po luftonin ushtarët e vendit të tij. Duke krijuar ndër të tjera pikturën “Liri nga dëshira”. Në formën e Ditës së Falënderimeve, në të cilën të gjithë anëtarët e familjes, të ushqyer mirë dhe të kënaqur, gëzojnë festën familjare.

Pas 50 vitesh në Saturday Evening Post, Rockwell u zhvendos në revistën më demokratike Look, ku ai ishte në gjendje të shprehte qëndrimet e tij për çështjet sociale.

Vepra më e ndritur e atyre viteve është "Problemi me të cilin jetojmë".

Kjo është historia e vërtetë e një vajze me ngjyrë që shkoi në një shkollë të bardhë. Që kur u miratua një ligj që njerëzit (dhe si rrjedhim institucionet arsimore) nuk duhet të ndahen më sipas vijave racore.

Por zemërimi i banorëve nuk kishte kufi. Rrugës për në shkollë, vajza ruhej nga policia. Këtu është një moment i tillë "rutinë" dhe tregoi Rockwell.

Nëse doni të njihni jetën e amerikanëve në një dritë pak të zbukuruar (siç donin ta shihnin vetë), sigurohuni që të shikoni pikturat e Rockwell.

Ndoshta, nga të gjithë piktorët e paraqitur në këtë artikull, Rockwell është artisti më amerikan.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Ndryshe nga Rockwell, Wyeth nuk ishte aq pozitiv. I vetmuar nga natyra, ai nuk kërkonte të zbukuronte asgjë. Përkundrazi, ai përshkroi peizazhet më të zakonshme dhe gjërat e jashtëzakonshme. Vetëm një fushë me grurë, vetëm një shtëpi prej druri. Por ai madje arriti të përgjonte diçka magjike në to.

Vepra e tij më e famshme është Bota e Kristinës. Wyeth tregoi fatin e një gruaje, fqinjit të tij. Duke qenë e paralizuar që nga fëmijëria, ajo u zvarrit nëpër zonën përreth fermës së saj.

Pra, nuk ka asgjë romantike në këtë foto, siç mund të duket në fillim. Nëse shikoni nga afër, atëherë gruaja ka dobësi të dhimbshme. Dhe duke e ditur që këmbët e heroinës janë të paralizuara, ju e kuptoni me trishtim se sa larg është ajo ende larg shtëpisë.

Në shikim të parë, Wyeth shkroi më të zakonshmen. Këtu është dritarja e vjetër e shtëpisë së vjetër. Një perde e shkretë që tashmë ka filluar të kthehet në copa. Jashtë dritares errësohet pylli.

Por ka një mister në të gjithë këtë. Një vështrim tjetër.

Kështu që fëmijët janë në gjendje ta shohin botën me një vështrim të pandërprerë. Po ashtu edhe Wyatt. Dhe ne jemi me të.

Të gjitha punët e Wyeth-it trajtoheshin nga gruaja e tij. Ajo ishte një organizatore e mirë. Ishte ajo që kontaktoi muzetë dhe koleksionistët.

Kishte pak romancë në marrëdhënien e tyre. Muzika duhej të shfaqej. Dhe ajo u bë një Helga e thjeshtë, por me një pamje të jashtëzakonshme. Kjo është ajo që shohim në shumë vepra.

Duket se ne shohim vetëm një imazh fotografik të një gruaje. Por për disa arsye, është e vështirë të shkëputesh prej saj. Sytë e saj janë shumë kompleks, supet e saj të tensionuara. Ne, si të thuash, po sforcohemi nga brenda me të. Duke luftuar për të gjetur një shpjegim për këtë tension.

Duke përshkruar realitetin në çdo detaj, Wyeth e pajisi me magji me emocione që nuk mund të lihen indiferente.

Artisti nuk u njoh për një kohë të gjatë. Me realizmin e tij, ndonëse magjik, ai nuk iu përshtat prirjeve moderniste të shekullit të 20-të.

Kur punonjësit e muzeut blenë veprat e tij, ata u përpoqën ta bënin atë në heshtje, pa tërhequr vëmendjen. Ekspozitat organizoheshin rrallë. Por për t'i pasur zili modernistët, ata kanë qenë gjithmonë një sukses i jashtëzakonshëm. Njerëzit vinin tufa. Dhe ata ende vijnë.

Lexoni për artistin me artikullin Bota e Kristinës. Kryevepra e Andrew Wyeth."

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock është e pamundur të injorohet. Ai kaloi një vijë të caktuar në art, pas së cilës piktura nuk mund të ishte e njëjta. Ai tregoi se në art, në përgjithësi, mund të bësh pa kufij. Kur e shtrova kanavacën në dysheme dhe e spërkata me bojë.

Dhe ky artist amerikan filloi me abstraksionizmin, në të cilin figurativja ende mund të gjurmohet. Në veprën e tij të viteve 40 "Figura e shkurtra" ne shohim skicat e fytyrës dhe të duarve. Dhe madje edhe simbole të kuptueshme për ne në formën e kryqeve dhe zerove.

Puna e tij u vlerësua, por ata nuk nxituan të blinin. Ai ishte i varfër si një mi i kishës. Dhe piu pa turp. Pavarësisht nga një martesë e lumtur. Gruaja e tij e admironte talentin e tij dhe bëri gjithçka për suksesin e burrit të saj.

Por Pollock fillimisht ishte një personalitet i thyer. Që në rini, nga veprimet e tij ishte e qartë se vdekja e hershme ishte fati i tij.

Kjo thyerje si pasojë do ta çojë atë në vdekje në moshën 44 vjeçare. Por ai do të ketë kohë të bëjë një revolucion në art dhe të bëhet i famshëm.

Dhe ai e bëri atë në një periudhë prej dy vitesh maturi. Ai mundi të punojë me fryt në vitet 1950-1952. Ai eksperimentoi për një kohë të gjatë derisa arriti në teknikën e pikave.

Duke shtruar një kanavacë të madhe në dyshemenë e strehës së tij, ai eci rreth tij, si të thuash, në vetë foton. Dhe spërkatur ose thjesht derdhur bojë.

Këto piktura të pazakonta filluan të bliheshin prej tij me dëshirë për origjinalitetin dhe risinë e tyre të jashtëzakonshme.

Pollock u shtang nga fama dhe ra në depresion, duke mos kuptuar se ku të shkonte më pas. Përzierja vdekjeprurëse e alkoolit dhe depresionit nuk i la atij asnjë shans për të mbijetuar. Një herë ai hipi në timon shumë i dehur. Herën e fundit.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Vetëm në një vend me një kult të tillë konsumi, si në Amerikë, mund të lindte pop art. Dhe iniciatori kryesor i saj ishte, natyrisht, Andy Warhol.

Ai u bë i famshëm duke marrë gjërat më të zakonshme dhe duke i kthyer ato në një vepër arti. Kështu ndodhi me kutinë e supës së Campbell-it.

Zgjedhja nuk ishte e rastësishme. Nëna e Warhol-it e ushqente djalin e saj këtë supë çdo ditë për më shumë se 20 vjet. Edhe kur u transferua në Nju Jork dhe mori nënën e tij me vete.

Pas këtij eksperimenti, Warhol u interesua për printimin e ekranit. Që atëherë, ai ka marrë imazhe të yjeve të popit dhe i ka pikturuar ato me ngjyra të ndryshme.

Kështu u shfaq piktura e tij e famshme Marilyn Monroe.

U prodhuan një mori ngjyrash të tilla acidi Marilyn. Art Warhol u shfaq në transmetim. Siç pritej në një shoqëri konsumatore.

Fytyrat e pikturuara u shpikën nga Warhol për një arsye. Dhe përsëri, jo pa ndikimin e nënës. Si fëmijë, gjatë një sëmundjeje të zgjatur të djalit të saj, ajo e tërhoqi zvarrë pako me libra për t'u ngjyrosur.

Ky hobi i fëmijërisë u rrit në diçka që u bë karta e tij e thirrjes dhe e bëri atë jashtëzakonisht të pasur.

Ai pikturoi jo vetëm yjet e popit, por edhe kryeveprat e paraardhësve të tij. E kuptova dhe "Venus" Botticelli.

Venusi, ashtu si Marilyn, ka bërë shumë. Ekskluziviteti i një vepre arti “fshihet” nga Warhol në pluhur. Pse e bëri këtë artisti?

Për të popullarizuar kryeveprat e vjetra? Apo, anasjelltas, përpiquni t'i zhvlerësoni ato? Për të përjetësuar yjet e estradës? Apo e lyejmë vdekjen me ironi?

Veprat e tij të pikturuara të Madonës, Elvis Presley-t ose Leninit ndonjëherë janë më të dallueshme se fotot origjinale.

Por kryeveprat nuk ka gjasa të mbeten në hije. Gjithsesi, "Venusi" primordial mbetet i paçmuar.

Warhol ishte një frekuentues i zjarrtë i festës, duke tërhequr shumë të dëbuar. Të varur nga droga, aktorë të dështuar apo thjesht personalitete të çekuilibruar. Njëri prej tyre e qëlloi një herë.

Warhol mbijetoi. Por 20 vjet më vonë, për shkak të pasojave të një plage që kishte pësuar dikur, ai vdiq i vetëm në banesën e tij.

tenxhere shkrirje e SHBA

Pavarësisht historisë së shkurtër të artit amerikan, diapazoni është i gjerë. Midis artistëve amerikanë ka impresionistë (Sargent), dhe realistë magjikë (Wyeth), dhe ekspresionistë abstraktë (Pollock) dhe pionierë të artit pop (Warhol).

Epo, amerikanët e duan lirinë e zgjedhjes në gjithçka. Qindra emërtime. Qindra kombe. Qindra drejtime arti. Kjo është arsyeja pse ai është vatra e shkrirjes së Shteteve të Bashkuara të Amerikës.

*Tonalizëm - peizazhe njëngjyrëshe me nuanca gri, blu ose kafe, kur imazhi është si në mjegull. Tonalizmi konsiderohet një degëzim i impresionizmit, pasi përçon përshtypjen e artistit për atë që pa.

***

Komente lexuesit e tjerë Shikoni më poshtë. Ata janë shpesh një shtesë e mirë për një artikull. Ju gjithashtu mund të ndani mendimin tuaj për pikturën dhe artistin, si dhe t'i bëni një pyetje autorit.

Versioni anglisht i artikullit